Foto: Courtesy Naturhistorisches Museum

Din kunsthistories skulptur, denne lille figur, der måler lidt over fire tommer i højden, blev opdaget i Østrig i 1908. Ingen ved, hvilken funktion den tjente, men gætværk har varieret fra frugtbarhedsgudinde til masturbationshjælp. Nogle forskere foreslår, at det kan have været et selvportræt lavet af en kvinde. Det er den mest berømte af mange sådanne genstande, der stammer fra den ældre stenalder.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/Philip Pikart

Dette portræt har været et symbol på feminin skønhed, siden det først blev gravet frem i 1912 i ruinerne af Amarna, hovedstaden bygget af den mest kontroversielle farao i oldtidens egyptiske historie: Akhenaten. Livet for hans dronning, Nefertiti, er noget mysterium: Det menes, at hun regerede som farao i en tid efter Akhenatens død – eller mere sandsynligt, som medregent for drengekongen Tutankhamon. Nogle egyptologer mener, at hun faktisk var Tuts mor. Denne stukbelagte kalkstensbuste menes at være et håndværk af Thutmose, Akhenatens hofbilledhugger.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Terracotta-hæren blev opdaget i 1974 og er en enorm cache af lerstatuer begravet i tre massive gruber nær graven af ​​Shi Huang, den første kejser af Kina, som døde i 210 f.Kr. Betydet at beskytte ham i efterlivet, menes hæren ifølge nogle skøn at tælle mere end 8.000 soldater sammen med 670 heste og 130 stridsvogne. Hver er i naturlig størrelse, selvom den faktiske højde varierer afhængigt af militær rang.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/LivioAndronico

Måske den mest berømte skulptur fra den romerske oldtid,Laocoön og hans sønnerblev oprindeligt gravet frem i Rom i 1506 og flyttet til Vatikanet, hvor det holder til den dag i dag. Den er baseret på myten om en trojansk præst dræbt sammen med sine sønner af søslanger sendt af havguden Poseidon som gengældelse for Laocoöns forsøg på at afsløre den trojanske hests list. Oprindeligt installeret i kejser Titus' palads, er denne figurative gruppe i naturlig størrelse, tilskrevet en trio af græske billedhuggere fra øen Rhodos, uovertruffen som et studie af menneskelig lidelse.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Et af de mest ikoniske værker i hele kunsthistorien, Michelangelos David havde sin oprindelse i et større projekt til at dekorere støttepillerne i Firenzes store katedral, Duomo, med en gruppe figurer hentet fra Det Gamle Testamente. DeDavidvar en, og blev faktisk påbegyndt i 1464 af Agostino di Duccio. I løbet af de næste to år lykkedes det Agostino at skrue en del af den enorme blok af marmor udhugget fra det berømte stenbrud i Carrara, før han stoppede i 1466. (Ingen ved hvorfor.) En anden kunstner tog det slæk, men også han var kun arbejdede kort på det. Marmoren forblev urørt i de næste 25 år, indtil Michelangelo genoptog udskæringen i 1501. Han var 26 på det tidspunkt. Da den var færdig, vejede David seks tons, hvilket betyder, at den ikke kunne hejses op på katedralens tag. I stedet blev det udstillet lige uden for indgangen til Palazzo Vecchio, Firenzes rådhus. Figuren, en af ​​de reneste destillationer af højrenæssancestilen, blev straks omfavnet af den florentinske offentlighed som et symbol på bystatens egen modstand mod de magter, der var opstillet imod den. I 1873 blevDavidblev flyttet til Accademia Gallery, og en replika blev installeret på dens oprindelige placering.

Foto: Courtesy CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini, der er anerkendt som ophavsmand til den højromerske barokstil, skabte dette mesterværk til et kapel i Santa Maria della Vittoria-kirken. Barokken var uløseligt forbundet med modreformationen, hvorigennem den katolske kirke forsøgte at dæmme op for bølgen af ​​protestantisme, der bølgede over det 17. århundredes Europa. Kunstværker som Berninis var en del af programmet for at bekræfte det pavelige dogme, godt tjent her af Berninis geni til at gennemsyre religiøse scener med dramatiske fortællinger.Ecstasyer et eksempel: Dens emne – den hellige Teresa af Ávila, en spansk karmelitisk nonne og mystiker, der skrev om sit møde med en engel – er afbildet, netop som englen er ved at kaste en pil ind i hendes hjerte.Ecstasy's erotiske overtoner er umiskendelige, mest tydeligt i nonnens orgasmiske udtryk og det vridende stof, der omslutter begge figurer. Som arkitekt såvel som kunstner, tegnede Bernini også rammerne for kapellet i marmor, stuk og maling.

Foto: Courtesy The Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Den italienske kunstner Antonio Canova (1757-1822) anses for at være den største billedhugger i det 18. århundrede. Hans arbejde var indbegrebet af den nyklassiske stil, som du kan se i hans gengivelse i marmor af den græske mytiske helt Perseus. Canova lavede faktisk to versioner af værket: Den ene er bosat i Vatikanet i Rom, mens den anden står i Metropolitan Museum of Arts europæiske skulpturdomstol.

Foto: Metropolitan Museum of Art

Mens den impressionistiske mester Edgar Degas er bedst kendt som maler, arbejdede han også med skulptur og producerede, hvad der uden tvivl var den mest radikale indsats i hans oeuvre. Degas formetDen lille fjorten-årige danserud af voks (hvorfra der blev støbt efterfølgende bronzekopier efter hans død i 1917), men det faktum, at Degas klædte sit eponyme emne i et egentligt balletkostume (komplet med overdel, tutu og hjemmesko) og paryk af ægte hår vakte en sensation, daDanserdebuterede på den sjette impressionistiske udstilling i 1881 i Paris. Degas valgte at dække det meste af sine udsmykninger i voks for at matche resten af ​​pigens træk, men han beholdt tutuen, såvel som et bånd, der binder hendes hår, som de var, hvilket gjorde figuren til et af de første eksempler på fundne objekter kunst.Danservar den eneste skulptur, som Degas udstillede i sin levetid; efter hans død blev der fundet yderligere 156 eksempler sygnende i hans atelier.

Foto: Courtesy Philadelphia Museum of Art

Mens de fleste forbinder den store franske billedhugger Auguste Rodin medTænkeren, er dette ensemble, der mindes en hændelse under Hundredårskrigen (1337-1453) mellem Storbritannien og Frankrig, vigtigere for skulpturens historie. Bestilt til en park i byen Calais (hvor en årelang belejring af englænderne i 1346 blev ophævet, da seks ældste i byen tilbød sig selv at blive henrettet til gengæld for at skåne befolkningen),Borgerneundgik det format, der var typisk for monumenter på det tidspunkt: I stedet for figurer isoleret eller stablet ind i en pyramide på toppen af ​​en høj piedestal, samlede Rodin sine emner i naturlig størrelse direkte på jorden, i niveau med beskueren. Dette radikale skridt mod realisme brød med den heroiske behandling, der normalt tildeles sådanne udendørs værker. MedBorgerne, tog Rodin et af de første skridt mod moderne skulptur.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

I 1912 skabte Picasso en papmaquette af et stykke, der ville have en stor indflydelse på det 20. århundredes kunst. Også i MoMAs samling forestillede den en guitar, et emne Picasso ofte udforskede i maleri og collage, og i mange henseender,Guitaroverførte collages klippe- og klistreteknikker fra to dimensioner til tre. Det gjorde det samme for kubismen ved at samle flade former for at skabe en mangefacetteret form med både dybde og volumen. Picassos innovation var at undgå den konventionelle udskæring og modellering af en skulptur ud af en solid masse. I stedet,Guitarblev fastgjort sammen som en struktur. Denne idé ville give genlyd fra russisk konstruktivisme ned til minimalisme og videre. To år efter at have lavetGuitari pap skabte Picasso denne version i udskåret tin

Foto: Metropolitan Museum of Art

Fra dens radikale begyndelse til dens sidste fascistiske inkarnation chokerede den italienske futurisme verden, men intet enkelt værk eksemplificerede bevægelsens rene delirium end denne skulptur ved et af dens førende lys: Umberto Boccioni. Startende som maler vendte Boccioni sig til at arbejde i tre dimensioner efter en tur til Paris i 1913, hvor han turnerede i ateliererne hos adskillige avantgarde-skulptører fra perioden, såsom Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon og Alexander Archipenko. Boccioni syntetiserede deres ideer til dette dynamiske mesterværk, som skildrer en skridende figur sat i en "syntetisk kontinuitet" af bevægelse, som Boccioni beskrev det. Værket blev oprindeligt skabt i gips og blev først støbt i sin velkendte bronzeversion i 1931, godt efter kunstnerens død i 1916 som medlem af et italiensk artilleriregiment under Første Verdenskrig.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Født i Rumænien var Brancusi en af ​​de vigtigste billedhuggere fra det tidlige 20. århundredes modernisme - og faktisk en af ​​de vigtigste skikkelser i hele skulpturens historie. En slags proto-minimalistisk tog Brancusi former fra naturen og strømlinede dem til abstrakte repræsentationer. Hans stil var påvirket af hans hjemlands folkekunst, som ofte indeholdt levende geometriske mønstre og stiliserede motiver. Han skelnede heller ikke mellem objekt og base, idet han i visse tilfælde behandlede dem som udskiftelige komponenter - en tilgang, der repræsenterede et afgørende brud med skulpturelle traditioner. Dette ikoniske stykke er et portræt af hans model og elsker, Margit Pogány, en ungarsk kunststuderende, han mødte i Paris i 1910. Den første iteration blev skåret i marmor, efterfulgt af en gipskopi, hvorfra denne bronze blev lavet. Selve gipset blev udstillet i New York på det legendariske Armory Show i 1913, hvor kritikere hånede og pillede det. Men det var også det mest reproducerede stykke i showet. Brancusi arbejdede på forskellige versioner afMlle Poganyi omkring 20 år.

Foto: Courtesy The Museum of Modern Art

Cykelhjulbetragtes som den første af Duchamps revolutionerende readymades. Men da han færdiggjorde værket i sit Paris-studie, anede han virkelig ikke, hvad han skulle kalde det. "Jeg fik den glade idé at fastgøre et cykelhjul til en køkkenskammel og se den dreje," sagde Duchamp senere. Det tog en tur i 1915 til New York og eksponering for byens enorme produktion af fabriksbyggede varer, før Duchamp fandt på det færdige udtryk. Endnu vigtigere begyndte han at se, at det at lave kunst på den traditionelle, håndlavede måde virkede meningsløst i den industrielle tidsalder. Hvorfor bekymre sig, mente han, når bredt tilgængelige fremstillede genstande kunne gøre jobbet. For Duchamp var ideen bag kunstværket vigtigere end hvordan det blev lavet. Denne forestilling - måske det første rigtige eksempel på konceptuel kunst - ville fuldstændig transformere kunsthistorien fremadrettet. Meget ligesom en almindelig husholdningsgenstand, dog originalenCykelhjuloverlevede ikke: Denne version er faktisk en replika fra 1951.

Foto: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Et elsket inventar af Whitney Museums permanente samling,Calders Cirkusdestillerer den legende essens, som Alexander Calder (1898-1976) bragte ud i livet som en kunstner, der var med til at forme 20.-skulpturen.Cirkus, som blev skabt under kunstnerens tid i Paris, var mindre abstrakt end hans hængende "mobiler", men på sin egen måde var den lige så kinetisk: Lavet primært af tråd og træ,Cirkustjente som midtpunktet for improvisationsforestillinger, hvor Calder bevægede sig rundt i forskellige figurer, der skildrede contortionists, sværdslugere, løvetæmmere osv., som en gudelignende ringmester.

Foto: Courtesy The J. Paul Getty Museum

Som maler og gobelindesigner såvel som billedhugger kunne den franske kunstner Aristide Maillol (1861-1944) bedst beskrives som en moderne nyklassicist, der satte et strømlinet 20. århundredes spin på traditionelle græsk-romerske statuer. Han kunne også beskrives som en radikal konservativ, selvom det skal huskes, at selv avantgarde-samtidige som Picasso producerede værker i en tilpasning af nyklassisk stil efter 1. Verdenskrig. Maillols emne var den kvindelige nøgen, og iL'Air, han har skabt en kontrast mellem den materielle masse af hans emne, og den måde, hun ser ud til at svæve i rummet - balancerer, som det var, stædig fysiskhed med forsvindende nærvær.

Foto: Courtesy CC/Flickr/C-Monster

Kusama, som er en japansk kunstner, der arbejder i flere medier, kom til New York i 1957 og vendte tilbage til Japan i 1972. I mellemtiden etablerede hun sig som en hovedfigur i downtown-scenen, en hvis kunst rørte mange baser, herunder popkunst, minimalisme og Performance Art. Som kvindelig kunstner, der ofte refererede til kvindelig seksualitet, var hun også en forløber for feministisk kunst. Kusamas arbejde er ofte karakteriseret ved hallucinogene mønstre og gentagelser af former, en tilbøjelighed rodfæstet i visse psykologiske tilstande – hallucinationer, OCD – hun har lidt siden barndommen. Alle disse aspekter af Kusumas kunst og liv afspejles i dette værk, hvor en almindelig, polstret lænestol på en nervepirrende måde er opslugt af et pestlignende udbrud af falliske fremspring lavet af syet udstoppet stof.

Foto: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Marisol Escobar (1930-2016), der blot er kendt under sit fornavn, blev født i Paris af venezuelanske forældre. Som kunstner blev hun forbundet med Pop Art og senere Op Art, selvom hun stilmæssigt tilhørte ingen af ​​grupperne. I stedet skabte hun figurative tableauer, der var ment som feministiske satirer over kønsroller, berømthed og rigdom. IKvinder og hundhun påtager sig objektiveringen af ​​kvinder, og den måde, som mandspålagte standarder for femininitet bruges til at tvinge dem til at tilpasse sig.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Rocor

Brillo Box er måske den mest kendte af en række skulpturelle værker, Warhol skabte i midten af ​​60'erne, som effektivt tog hans undersøgelse af popkulturen ind i tre dimensioner. Tro mod det navn, Warhol havde givet sit atelier – fabrikken – hyrede kunstneren tømrere til at arbejde med en slags samlebånd og sømmede trækasser sammen i form af kartoner til forskellige produkter, herunder Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes og Campbell's Soup, som godt Brillo sæbepuder. Han malede derefter hver kasse i en farve, der matchede originalen (hvid i tilfældet Brillo), før han tilføjede produktnavnet og logoet i silketryk. Æskerne blev skabt i multipler, og de blev ofte vist i store stakke, hvilket effektivt gjorde det galleri, de befandt sig i, til et højkulturelt faksimile af et lager. Deres form og serieproduktion var måske et nik til – eller parodi på – den dengang begyndende minimalistiske stil. Men den egentlige pointeBrillo æskeer, hvordan dens tætte tilnærmelse til den ægte vare undergraver kunstneriske konventioner ved at antyde, at der ikke er nogen reel forskel mellem fremstillede varer og arbejde fra en kunstners atelier.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld

Donald Judds navn er synonymt med Minimal Art, bevægelsen fra midten af ​​60'erne, der destillerede modernismens rationalistiske anstrengelse til det absolut nødvendige. For Judd betød skulptur at artikulere værkets konkrete tilstedeværelse i rummet. Denne idé blev beskrevet af udtrykket "specifikt objekt", og mens andre minimalister omfavnede det, gav Judd uden tvivl ideen sit reneste udtryk ved at adoptere boksen som sin signaturform. Ligesom Warhol producerede han dem som gentagne enheder ved at bruge materialer og metoder lånt fra industriel fremstilling. I modsætning til Warhols suppedåser og Marilyns refererede Judds kunst til intet uden for sig selv. Hans "stakke" er blandt hans mest kendte stykker. Hver består af en gruppe identisk lavvandede kasser lavet af galvaniseret metalplade, der stikker ud fra væggen for at skabe en søjle af jævnt fordelte elementer. Men Judd, der startede som maler, var lige så interesseret i farve og tekstur, som han var i form, som det ses her af grøn-tonet auto-body lak påført forsiden af ​​hver kasse. Judds samspil af farve og materiale giverUnavngivet (stak)en kræsen elegance, der blødgør dens abstrakte absolutisme.

Foto: Courtesy CC/Flickr/Rocor

Ligesom Benglis var Hesse en kvindelig kunstner, der filtrerede postminimalismen gennem et velsagtens feministisk prisme. En jøde, der flygtede fra Nazi-Tyskland som barn, udforskede hun organiske former og skabte stykker i industriel glasfiber, latex og reb, der fremkaldte hud eller kød, kønsorganer og andre dele af kroppen. I betragtning af hendes baggrund er det fristende at finde en understrøm af traumer eller angst i værker som dette.

Foto: Courtesy The Museum of Modern Art

Efter Judd og Flavin forlod en gruppe kunstnere minimalismens æstetik med rene linjer. Som en del af denne postminimalistiske generation, satte Richard Serra konceptet med det specifikke objekt på steroider, hvilket i høj grad forstørrede dets skala og vægt og gjorde tyngdelovene til en integreret del af ideen. Han skabte prekære balancegange af stål- eller blyplader og rør, der vejede i tons, hvilket havde den virkning at bibringe værket en følelse af trussel. (Ved to lejligheder blev riggere, der installerede Serra-stykker, dræbt eller lemlæstet, da værket ved et uheld kollapsede.) I de seneste årtier har Serras arbejde vedtaget en krumlinjet forfining, der har gjort det enormt populært, men i begyndelsen fungerer det som One Ton Prop (House). of Cards), som har fire blyplader lænet sammen, kommunikerede hans bekymringer med brutal direktehed.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Efter den generelle modkulturelle tendens i 1960'erne og 1970'erne begyndte kunstnere at gøre oprør mod kommercialismen i galleriverdenen og udviklede radikalt nye kunstformer som jordarbejde. Også kendt som land art, var genrens førende skikkelse Robert Smithson (1938-1973), der sammen med kunstnere som Michael Heizer, Walter De Maria og James Turrel vovede sig ind i ørkenerne i det vestlige USA for at skabe monumentale værker, der handlede i overensstemmelse med deres omgivelser. Denne stedsspecifikke tilgang, som den blev kaldt, brugte ofte materialer taget direkte fra landskabet. Sådan er det med SmithsonsSpiral Jetty, som stikker ud i Utahs Store Saltsø fra Rozel Point på søens nordøstlige bred. Lavet af mudder, saltkrystaller og basalt udvundet på stedet,Spiral Jetty måler1.500 gange 15 fod. Den var nedsænket under søen i årtier, indtil en tørke i begyndelsen af ​​2000'erne bragte den op til overfladen igen. I 2017Spiral Jettyblev udnævnt til det officielle kunstværk i Utah.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Den franskfødte kunstners signaturværk,Edderkopblev til i midten af ​​1990'erne, da Bourgeois (1911-2010) allerede var i firserne. Den findes i adskillige versioner af varierende skala, inklusive nogle, der er monumentale.Edderkoper ment som en hyldest til kunstnerens mor, en gobelinrestaurerer (deraf hentydningen til edderkoppens tilbøjelighed til at spinde spind).

Shutterstock

Vinder af den prestigefyldte Turner-pris i 1994, Antony Gormley er en af ​​de mest berømte nutidige billedhuggere i Storbritannien, men han er også kendt verden over for sit unikke bud på figurativ kunst, hvor brede variationer i skala og stil er baseret, for det meste på samme skabelon: En afstøbning af kunstnerens egen krop. Det gælder for dette enorme bevingede monument, der ligger nær byen Gateshead i det nordøstlige England. Placeret langs en større motorvej,Engelsvæver til 66 fod i højden og spænder 177 fod i bredden fra vingespids til vingespids. Ifølge Gormley er værket ment som en slags symbolsk markør mellem Storbritanniens industrielle fortid (skulpturen er placeret i Englands kulland, hjertet af den industrielle revolution) og dets post-industrielle fremtid.

Med tilladelse fra CC/Flickr/Richard Howe

Kærligt kaldt "The Bean" af Chicagoans for sin bøjede ellipsoide form,Skyport, Anish Kapoors offentlige kunstcenter for den anden bys Millennium Park, er både kunstværk og arkitektur, der giver en Instagram-klar buegang for søndagsklapvogne og andre besøgende til parken. Fremstillet af spejlstål,Skyport's fun-house reflektivitet og store skala gør det til Kapoors mest kendte værk.

Høflighed kunstneren og Greene Naftali, New York

Rachel Harrisons værk kombinerer en fuldendt formalisme med evnen til at gennemsyre tilsyneladende abstrakte elementer med flere betydninger, herunder politiske. Hun sætter voldsomt spørgsmålstegn ved monumentalitet og det maskuline prærogativ, der følger med. Harrison skaber hovedparten af ​​sine skulpturer ved at stable og arrangere blokke eller plader af Styrofoam, før de dækker dem med en kombination af cement og maleriske flor. Kirsebæret på toppen er en slags fundet genstand, enten alene eller i kombination med andre. Et godt eksempel er denne mannequin på toppen af ​​en aflang, malingssprøjtet form. Iført en kappe og en bagudvendt Abraham Lincoln-maske sender værket historien til den store mands teori op med dens fremkaldelse af den antikke verdens erobrer, der står højt på en klovnefarvet klippe.